55.Dream Pop（梦幻流行）
        梦幻流行是另类金属的一个流派，它依音速处理音乐质地来表达悦耳的音调。梦幻流行尝使用气声和充满回音的吉他效果和电子合成器来加以处理效果的。尽管the Cocteau Twins通过他们模糊的声音和颓靡的音景常被看作是梦幻流行的领导者，但是这个流派在形式上还有比缓慢电子结构更为多的的差异。梦幻流行也包含Galaxie 500的the post-Velvet Underground 吉他摇滚，以及My Bloody Valentine的loud, shimmering feedback。他们都因依音速处理音乐质地，表演手法与唱腔的相同形式而归为一类。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Acetone

        头一次接触这支乐队，是在一个下雨的冬夜，在土豆家翻他们的杂乱无比的CD册，看见一张没有封皮、土黄色的打口——ACETONE？没听说过，可上面那 Vernon Yard 唱片公司的狼头标志（还是狗头？） 吸引了我，记得我最初买LOW的打口磁带的时候，那老板（也许是我见识过的最好的卖打口的了）就告诉我 Vernon Yard 这唱片公司不错。于是，在寒冷幽暗之中，偌大的房间里响起了清醇的 Folk +Blues 的 ACETONE，我坐在土豆的沙滩椅上，感觉到淳朴而清新的空气在流动，仿佛回到了“如果你是朝露，我愿是那小草，如果你是那片云，我愿是那小雨”这样的校园民谣流行的八十年代。
现时的唱片工业是如此发达，音乐的分类也越来越复杂，听众的口味不断改变，今天流行“另类”，明天时兴“电子”，不少乐队有意地使自己的作品打上种种特定的烙印，以迎合听众的需要。而来自洛杉矶的 ACETONE 则是一支不迎合潮流口味的乐队，他们只凭自己的对音乐的个人喜好而创作。
1987年，乐队的三名成员走到了一起，主唱/贝司手：Richie Lee，当时在加州一所艺术学校学习油画；吉他手：Mark Lightcap，同一所学校的作曲系学生兼大号手；鼓手：Steve Hadley，是 Lee 在中学时认识的。他们只是出于对音乐的爱好，聚在一起自娱自乐地演奏和创作，在这样的轻松随便的过程中渐渐地加深了对彼此的个性和音乐口味的了解。同时，随着他们的音乐理念和技巧的成熟，也渐渐地形成了自己的音乐风格。一切都顺其自然，随心所欲，他们从不把自己固定在一个音乐模式中。就这样，ACETONE，以其亲切而容易引起共鸣的音乐，默默地抵抗着繁杂而无意义的音乐分类。Lee解释说：“语言使你的作品带有某种特色，人们大概就凭这个将你的音乐归到某个分类中去。可是，艺术是跟语言无关的，而是利用语言来达到更高的境界。假如你的音乐已被定性为某一类，听众就会想，‘哦，这种类型的音乐就是这样的啊。’如此一来，音乐就不再是一种体验了。其实这些分类跟音乐本身一点关系都没有。”Lee的这番话，或多或少流露出他的视觉艺术家的气质。
ACETONE 的首张专辑，《Cindy》，发行于1993年，包含了朗朗上口的流行调子、车库摇滚、地下丝绒式的粗糙失真轰鸣，显示了乐队音乐风格的多样化。而1994年发行的 EP，《 I Guess I Would》，则转向乡村摇滚风格，总共七首歌，翻唱了The Flying Burrito rothers乐队、John Prine、Johnny Horton等乡谣前辈的作品。1996年，乐队的第二张专辑，《 If You Only Knew》，更充分体现了乐队的渐趋成熟、生动丰富的音乐技巧，整张专辑就是非常自然的个人情感流露。
从1997年发行的第三张专辑《Acetone》起，ACETONE 转投到 Vapor唱片公司旗下。这是该乐队全情投入创作出的又一颗结晶，延续了乐队一贯坚持的不断向前发展、不断重新自我定向的努力。主唱 Lee 说：“我们就好象建筑工人一样，先把房子的各个部分砌好，完了再把它们拼到一起，从而完成整座房屋的架构。在这张专辑里，我们更强调现场录音。”在录音过程中，尽量使一切保持简洁，结果却使《Acetone》获得了既纯净又不失多元化的出色效果。在<All The Time>一曲中，展现了扑朔迷离的画面，正如 Lee 唱道：“What I'm saying / How I wish it were clear.” 另一首歌，<Shobud>，ACETONE 把 Twin Peaks 式的抽象布鲁斯融入歌曲中，创造出神秘的和音。而<All You Know>听起来显得懒洋洋、无精打采的，展现了生活的另一面。ACETONE 的音乐，混合着草根布鲁斯和弦，生动圆润的音色，内省而诚挚的歌词，自然地散发着美的光泽，为乐队赢得了同行们的尊敬，例如 Garbage，The Verve，Oasis，Mazzy Star等乐队，都曾邀请ACETONE 一起巡回演出。
在 ACETONE 看来，音符、旋律、歌词、和声应该在不受限制的空间中和谐地碰撞。他们的音乐，是在对音乐本身的思辩的追求中不断成熟的。有一点在他们看来至关重要，那就是，摇滚乐主要地是一种体验.这也许值得我们这些听音乐的人借鉴。
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56.East Coast Rap（东海岸说唱）
        在 hip-hop 时代到来之前，几乎所有的说唱都是东海岸说唱。说唱界最著名的早期艺人都是在纽约市发展起来的，例如一些旧学院派的传奇式人物：DJ Kool Herc, Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa, the Sugarhill Gang, Kurtis Blow, 以及 Run-D.M.C. 80年代的时候，说唱艺术有了进一步的发展，形式更加多样，并从纽约扩散到了更多其它的地区；然而东海岸说唱在80年代的大部分时候，都占着主流的位置。尽管东海岸说唱在音乐上并不完全一致，但到80年代中后期的时候，他们都越发趋向于使用激进的鼓点和对取样进行拼贴，并且很多MC都具有高超的作词本领。换句话说，虽然有一些例外，但东岸说唱逐渐成为了一种更具有可听性的音乐形式而不仅仅适用于舞池；它变得越发精细和复杂，并作为一种值得尊敬的艺术形式成为了一个新的流派。东海岸说唱黄金时期的典型艺人包括 Eric B. & Rakim 和 Boogie Down Productions ，他们都有比 EPMD 和 Public Enemy 更强烈的击打式的声音，同时也具有建立在旧学院派基础上的高超的作词技巧。同样以东海岸说唱为基础的还有 Native Tongues ,这是由 Afrika Bambaataa 发起的一个以黑人歌手为中心的向上的组合；还有 De La Soul, A Tribe Called Quest, the Jungle Brothers 以及大部分对80年代后期 hip-hop 形成具有重要影响的纽约乐队，他们都更多的属于一种折衷的音乐形式，而不是某个既成的音乐流派。1989年时 N.W.A.发行了专辑 Straight Outta Compton ，从此西海岸说唱在它研磨的唱腔与市井的内容之上又加入了更强硬的嗓音，再加上它保持了其原有的作为聚会音乐的基本功能，这一切都使它在90年代成为 hip-hop 的主要力量。另外，南方说唱的兴起也使得东海岸说唱无法再保有其原先的音乐地位，但它也没有在90年代完全消失。除了 Puff Daddy 着 Bad Boy 的招牌占据了极其有利的地势并在流行乐坛也极负盛名以外，东海岸说唱还影响了一批风格各异且获得高度评价的艺人，包括词作鉴赏家 Nas、电子化的 Fugees and Roots、以及受其影响极深的硬核组合 Wu-Tang Clan.

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Jay-Z

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      Jay-Z自从1996年出道以来迅速的就成为了整个东海岸说唱的统帅级人物，他不仅是一位最顶尖的说唱歌手同时还是最出色的音乐制作人之一，在流行音乐界拥有很高的地位。除此以外，Jay-Z所经营的Roc-A-Fella唱片公司，在整个黑人音乐市场中也是商业成绩最突出的厂牌之一，对于整个说唱音乐的市场有着非常重要的影响力。Jay-Z的每一张专辑销量都超过白金，而在进入新世纪以后，随着音乐上不断的取得新成就，以及音乐影响力的增强，Jay-Z的触角也从说唱音乐本身渐渐移向其他音乐上，比如加大与东海岸以外的南方说唱和西海岸说唱之间的合作以及在R&B音乐的制作等方面，为推动说唱音乐以及整个流行音乐都做出了不小的贡献。 Jay-Z原名Shawn Carter，又名Sean Carter，于1970年12月4日出生在美国纽约的布鲁克林区，和在这里出生的其他说唱歌星一样，Shawn Carter的父亲在他很小的时候就离开了他和他的母亲Gloria Carter，这段艰苦的岁月是Shawn Carter印象最为深刻的。少年的Shawn Carter独自撑起了他和母亲的生活，不久他就成了街头一名普通的黑人说唱歌手，最初的时候他为自己取了一个源自爵士乐的名字“Jazzy”，不久之后简化为Jay-Z。当一名说唱歌手并不能挣足够的钱，为了生存，Jay-Z还必须和那里其他的年轻人一样从事一些并不光明的行为，不过更多的时候Jay-Z还是靠在一些小录音室自己录制一些磁带然后拿出去卖来赚钱糊口。在Jay-Z的说唱才华渐渐被附近的人所了解之后，Jay-Z开始在当地一些小的说唱组合和一些歌手那里打短工，在这里他有机会接触到说唱音乐的制作等工作，而这些唱片录制工业也激起了Jay-Z的野心，Jay-Z并没有像其他歌手一样和大的唱片公司签约，而是和两个朋友Damon Dash和Kareem "Biggs" Burke一起创办了Roc-A-Fella唱片公司，他把自己的唱片公司依附于Def Jam公司(当时还叫做Priority Records)的旗下，并且开始制作和发行音乐专辑。 1996年，Jay-Z录制并发行了自己的第一张个人专辑，同时也是Roc-A-Fella唱片公司的第一张专辑《Reasonable Doubt》，这张发行自东西海岸说唱音乐争斗最残酷时期的帮匪说唱专辑非常令人惊奇，多首单曲成为排行榜主打，到了如今他也被公认是Jay-Z在上个世纪最杰出的专辑，同时也成为了帮匪说唱专辑的经典作品。《Reasonable Doubt》的初获成功也为Jay-Z的下一张专辑以及Roc-A-Fella唱片公司的发展开了一个好头。1997年，Jay-Z的第二张专辑《In My Lifetime, Vol. 1》发行，富有商业头脑的Jay-Z在这张专辑中为了吸引更多的听众以及扩大他的知名度和唱片公司的影响力，把专辑的音乐风格从偏激的帮匪说唱转变为了更加易于各方面听众接受的流行说唱，同时在专辑中邀请了包括吹牛老爹Sean "Puffy" Combs在内的多位大牌歌星助阵，而这些措施效果显著，不仅拥有多首单曲打榜，而且这张专辑的销量也迅速超过了《Reasonable Doubt》，杀进了Billboard 200排行榜的前三名，Jay-Z已经成为了一名一流的说唱歌星。 1998年9月29日，Jay-Z的第三张个人专辑《Vol. 2: Hard Knock Life》正式发行，这张纯粹的流行音乐专辑的14首单曲中近半数成为排行榜热门，其中的一些在现在已经成为了Jay-Z的标志性作品，比如《Hard Knock Life (Ghetto Anthem)》，Jay-Z借此更进一步的扩大了自己的领地，同时这张专辑也在发行后成为了Billboard 200排行榜的冠军，这也是Jay-Z第一张冠军专辑，已经完全转变成为了流行说唱歌手的Jay-Z在1998年度第41届格莱美颁奖典礼上获得了到目前为止他个人唯一的一尊格莱美奖杯，专辑《Vol. 2: Hard Knock Life》获得了年度最佳说唱专辑大奖(Best Rap Album)，Jay-Z成为了被各方面都认可的最顶尖的说唱明星。 1999年，Jay-Z发行了第四张个人专辑，这张专辑是依旧讲述自己的故事的《Vol. 3: Life and Times of S. Carter》。此时的Jay-Z已经普遍的采用和其他歌星合作演唱的方式来表演歌曲，这张专辑中几乎每一首歌都是由Jay-Z和其他歌星共同演唱的，在商业上也依旧保持着自己的辉煌，而这种大面积和其他歌星合作的做法也使Roc-A-Fella唱片公司渐渐成为了说唱工业的一个重要的组成部分。2000年，Jay-Z发行了第五张个人专辑《Dynasty Roc la Familia》，除了唱片本身依旧保持着很高的商业成绩以外，已经在业界名声鹊起的Roc-A-Fella唱片公司开始在这张专辑中逐渐的推出自己公司的一些新人来和Jay-Z一起演唱歌曲。也许是因为确实缺乏大牌歌星的加盟，因此在销量上比以往出现了一些下降。不过在这张专辑里，Jay-Z开始和一些超级音乐制作人展开合作，比如大名鼎鼎的the Neptunes和Kayne West等，这在一定程度上也为Jay-Z在制作人方向的发展期了一定的推动作用。 2001年9月18日，Jay-Z在新世纪最优秀的专辑《The Blueprint》正式发行，这张专辑中颇有些令人以外的没有邀请大牌的明星参与演唱，只是和Eminem一起演唱了《Renagade》，这张专辑也成为了自首张专辑《Reasonable Doubt》之后，最为Jay-Z个人化的作品，因此也被认为是Jay-Z自《Reasonable Doubt》之后最经典的专辑。巨大的销量和影响以及专辑中的多首优秀单曲使这张专辑更强有力的巩固了Jay-Z在说唱乐坛的地位，Jay-Z与吹牛老爹Sean "Puffy" Combs等人一起成为了说唱工业的代表性人物。
但是这张专辑中的一些单曲引起了些麻烦，由于在此前演唱会中Jay-Z利用一些单曲进行了针对其他歌手的讽刺而引起了旷日持久的口水战，并且一直延续到了专辑发行之后的很长时间。但是在这之后Jay-Z又开始了和其他歌手的合作，他首先与the Roots合作在2001年稍晚的时候发行了MTV台的不插电现场专辑《Unplugged》又与另一名说唱歌星R. Kelly在2002年联合发行了专辑《Best of Both Worlds》。 2002年，Jay-Z发行了与其他明星合作的双CD专辑《The Blueprint? The Gift & the Curse》，以及在2003年上半年发行这张专辑的单CD版本《Blueprint 2.1》虽然这两张专辑作为2001年的《The Blueprint》的续集作品在商业上依旧是相当的火爆，并且在其中仍然包括了相当大量的明星，但是在歌迷和评论家眼中他们却都没有达到《The Blueprint》的高度。2003年11月14日，Jay-Z发行了号称是最后一张专辑的第十张专辑《The Black Album》。 说这张专辑是Jay-Z音乐生涯的最后一张个人专辑你信么？可是唱片宣传的时候确实是这么说的，但是不论怎样，这样的噱头让这张专辑在发行短短四天之后就卖出了46万3千张，成为了Jay-Z的第六张冠军专辑，这一销量甚至比他的经典专辑《The Blueprint》在2001年9月份的成绩还要高出一点，不过对于Jay-Z这样的说唱歌手来说，即便没有这样的宣传也照样会卖出这样的成绩出来。 假如这真是Jay-Z的最后一张专辑的话，那么对于歌迷来说也完全没有什么遗憾了，因为这的确是一张非常出色的专辑。在这张专辑中，Jay-Z没有邀请任何其他歌手与他合作，所以，从专辑的制作角度来讲，这张专辑比《The Blueprint》甚至还要能体现出Jay-Z的个人风格。虽然没有大牌歌星合唱，但是却拥有超豪华的制作阵容，单曲的几名制作人分别是Timbaland，Eminem，The Neptunes，Kanye West，Just Blaze这些声名显赫的金牌制作人。 音乐方面，整张专辑都营造出了告别的氛围，《December 4th》是Jay-Z献给他的母亲的歌曲，把这首深情的单曲作为专辑的第一支单曲，不免会让人有所联想，这可能的确是Jay-Z的告别专辑了，而更让人体会深刻的则是在《Moment of Clarity》中，Jay-Z居然回忆了他的父亲，并且在单曲最后还表示出了原谅已经去世的父亲的想法，这足以让人深陷到这张专辑的告别氛围中去，值得一提的是《Moment of Clarity》的制作人和混音是和Jay-Z有着相似经历的Eminem。整张专辑的最后一首歌名字是“My 1st Song(我的第一首歌)”，看到他就会让人莫名的产生出一中离别时的伤感。这张专辑也许不是Jay-Z最经典的专辑，但也绝对是前三位的，以这张专辑作为Jay-Z的谢幕大作也足以答谢歌迷了，不过可能绝大多数的歌迷都在等待Jay-Z的加演曲目。
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57.Electronica（电子）
        一个合适的模糊术语用来形容电子舞曲很快转向了听从而代替了严格意义上的跳舞的新新事物便是电子，它最初是被用于形容一系列像Juan Atkins 和Underground Resistance 那样在欧洲艺术家旁，已经获得了很多来自Motor Citys未来派对技术上的预见的编辑聚集于新颖音乐材料的人。这个词的概念随后被来自美国的压力所调整，在美国，对于任何一个年轻的乐手来说使用电子乐器或是设备都是轻而易举的事情，除此之外电子还描述以技术为基础的音乐，它们可适用于在家庭内听也同样适用于舞池（自从许多电子乐手兼当俱乐部的DJs）

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Alec Empire

见15楼

58.Ethnic Fusion（Ethnic Fusion）
       Ethnic Fusion没有被world fusion（综合了爵士和世界音乐）或是worldbeat（可能起源于任何一组世界音乐，经常被西方流行所影响）。取而代替的是，Ethnic Fusion一般来说起源于新时代音乐的声音和观点，试图把传统Ethnic Folk音乐合并进入当代的电子音乐。常常，虽然不是始终，它的目标是在Western技术中和更多强调自然与人性为导向的文化中去寻找创造协调的融合的方法。如Tony Scott和Don Cherry这样的爵士乐手是最早将世界音乐带有Western形式的人之一，并且如Terry Riley和Philip Glass这样最低纲领主义者的作曲家有时会利用non—Western的结构。这些试验形成了早期的Ethnic Fusion，最显著的是Jon Hassell的音乐，他帮助在70年代末期和80年代早期通过他的独立工作和与氛围先驱Brian Eno的协作工作共同建立这种风格。很快，Ethnic Fusion就成为了同时代喜欢刺激玩乐器人们的宠儿，他们在新的节奏或non-Western上用它来拓宽他们的声音；其他的人也很自然的加入独特的Ethnci音乐并为它用当代的乐器和新时代的敏感来装饰。后来的音乐家包括了Clanned （凯尔特乡村音乐），Ottmar Liebert（弗拉门科民歌），Kitaro （民间调）和Carlos Nakai（美国本土长笛音乐）。在90年代早期，Ethnic Fusion乐手像Enigma, Dead Can Dance, 和Deep Forest发现了更宽的被介绍了关于混合着夜总会里快速跳舞节拍的听众群，这种音乐形式可以表示任何从中世纪European音乐到关于Afican pygmies的实验领域。但是即使这里有很少商业的突破，Ethnic Fusion仍能在90年代维持一个流行的地位。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Dead Can Dance  

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        英国另类音乐界里为人称道的隐士。这是来自澳洲的双人组乐团，汲收了许多欧陆音乐因子（宗教音乐、古典音乐、民族音乐及现代的摇滚、叛客音乐等），在Bredan Perry及Lisa Gerrard精巧的编排后，呈现了另类乐界新古典主义的第一传人。在他们的音乐中，你可能惊讶地发现诵诗班的后叛客或带有强烈电子节奏的西班牙民俗舞蹈音乐。如果，另类音乐中要找个乐团来定义新古典主义乐派的话，则非Dead Can Dance莫属。
Can Dance的两位成员Brendan Perry和Lisa Gerrard都是爱尔兰後裔，1980年他们在澳洲墨尔本相遇後，共同开发并分享著彼此对音乐、文学和视觉艺术的热爱，第一首作品"Fast Forward"被澳洲的一家小公司收录在一张圣诞节合辑里，算是D.C.D.初试啼声的佳作。1982年，D.C.D.前往伦敦，寻求澳洲市场外的成功机会，经过一年的摸索，终於被4AD相中签约，在隔年3月为他们出版首张同名专辑，纪录D.C.D.成军4年间的心血创作...
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59.Euro-Pop（欧洲流行）
        欧洲流行这个名词是和故意微弱，无助，平凡创作的流行音乐风格有关联的；正如其名，大部分（虽然不是所有）都是起源于欧洲大陆，尽管偶然也由英国或美国的音乐被这种风格影响。ABBA就是Euro-Pop乐队的代表，假装不费力气，用快活的舞曲节奏和空洞的歌词创作出令人禁不住被吸引的作品。自从歌词不再在是音乐增值的一个重要部分，它便很容易在非英语国家也能很快流行起来；歌曲可以很容易得在更多其它地区市场用本国语言录制避免了损失歌词的细微差别。即使ABBA在70年代成为了世界级的巨星，大部分Euro-Pop仍然仅限于欧洲大陆，特别是法国，意大利，荷兰和瑞典。在接下来的十年，瑞士生产了大多数的Euro-Pop碟但是在英语国家几乎没有销售市场，包括了在80年代的Army and Roxette，90年代的Ace of Base和Robyn。90年代的舞曲流行由像Take That, the Spice Girls和the Backstreet Bouys扮演了复兴的先头部队，他们都从Euro-Pop风格中吸取了很多声音方面的特点，当英语国家的乐手因为它易记的风格经常混合讽刺和大量废话而去模仿。

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Abba

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         ABBA是瑞典的流行组合，成立于1973年。成员包括：比约恩·奥瓦尔斯（Bjorn Ulvaeus，1945年4月25日生于哥德堡）、本尼·安德森（Benny Andersson，1946年12月16日生于斯德哥尔摩）、阿格妮莎·福斯克格（Agnetha Faltskog，1950年4月5日生于乔克平）、安妮-弗瑞德·林斯塔德（Anni-Frid Lyngstad，1954年11月15日生于挪威的纳尔维克）。在成立乐队前，安妮和阿格妮莎已是瑞典颇有名气的独唱演员，比约恩属于Hootenanny演唱组，本尼是Hep Stars乐队的成员。后来，本尼和安妮、比约恩和阿格妮莎分别结成夫妻，并用每个人名字的第一个字母组成ABBA乐队...
这个70年代最成功的合唱组来自瑞典。最早应回溯到1966年，当时键盘手兼歌手的Benny Andersson与吉他手兼歌手的Bjorn Ulvaeus组成一个合唱小组。他们开始为Polar Music/Union Songs作曲写歌。这家公司是个出版公司，老板是Stig Andersson，他本人是个多产的词作家，在50年代和60年代十分有名。与此同时，Andersson和Ulvaeus正与他们各自的女友为一些计划而忙碌着：Ulvaeus与歌手Agnetha Faltskog合作演唱了一首后来成为全瑞典冠军的歌曲，"I Was So In Love"(我如此真爱着)，而Andersson和Anni-Frida Lyngstad开始约会。Lyngstad是个爵士歌手，在全国都十分有名。

　　后来，Andersson和Ulvaeus演唱了享誉国际的歌曲"People Need Love"(人们需要爱)，这首歌的背景声就是Faltskog和Lyngstad伴唱的。

　　"ABBA"一词是Stig Andersson提出的，该词代表了4个人的姓名的第一个字母。一曲"Waterloo"（滑铁卢）一曲赢得欧洲电视台大赛的奖励。之后，他们演唱了"S.O.S"，这支歌不仅在美国和英国等说英语的国家一炮打响，而且也在西班牙、德国等国赢得巨大成功，这是他们始料不及的。此外，他们还有"Lay All Your Love On Me"(把你的爱都放在我身上)、"The Winner Takes It All"(赢者称帝)，等等。这些歌有很多在80年代被引入我国，并被广为传唱。《五色谱》就是当时非常走红的磁带，而里面的歌曲大部分都是ABBA乐队的歌曲,重新填上词，唱遍大江南北。然后又有"Mamma Mia"（我的妈妈），"Fernando"(费尔南多)和"Dancing Queen"（舞皇后）。到了1976年，他们已经准备出"精选集"了。

　　1977年，ABBA合唱组新作"Rnowing Me,Know-ing You"（知我知你）和"The Name Of The Game"（游戏名称）占据了各大电台的音乐节目中。

　　1978年，Andersson与Lyngstad结婚，而Ulvaeus和Faltskog早于1971年就结婚了，但几个月后，就又分开了。事实上，ABBA合唱组所演唱的下一专集"Voulez Vous"（请）的歌曲主题中有很多都是描写爱情中的苦痛的。"Super Trouper"（超级巨星）于1980年发行之后，Andersson与Lyngstad也分道扬镳了。1982年，这个4人合唱组正式解散。
推荐歌曲：dancing queen（点击下载）

60.Experimental(试验音乐)
        是对任何推动现有的音乐边界线和流派定义的一种普遍的分类，像在摇滚，爵士，现代合成或其他的风格。当一个音乐家或作曲家接近一种全异风格的混合物或是合成非正统的，新的，明显独特的成分，这种音乐都可以被分类成试验音乐。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Current 93

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        1981年，当黑暗民谣的起源乐队Death In June正要出版他们的《Heaven Street》这张专辑的前夕，作为开创者之一的David Tibet便离开了他们，组建了自己的乐队Current93。这支乐队成为了今后20多年最重要的一支黑暗民谣乐队。在很多乐评里会提到David Tibet受到东南亚和西藏密宗音乐的影响（david tibet出生于东南亚，而且对西藏非常着迷，看他自己改的名字就知道了）。这么说应该没错，不过如果把current93的音乐理解成那种加入了很多亚洲音乐元素的world music或者new age那就错了，那种影响应该说是气质上的，Current93的音乐风格虽然多变，但是内里的神秘主义和异教情结却是始终如一。

早期的Current93应该说是比较重型的乐队，尽管偶有一些比较简单的木吉他作品问世，但是总体上而言，工业噪音/金属/先锋电子等作品占了绝大多数。后期的Current93，也许是厌倦了喧嚣，大部分作品都抛弃了早年的狂躁风格，沉静内敛的作品越来越多，也越来越接近民谣的根源。难得的是在这些作品中竟很难寻到早年的那些音乐的痕迹。也许一些工噪迷会对此失望，不过于我而言，却非常喜欢他们这种轻型化的转变。

说到current93跟我的缘分，其实在我刚刚接触民谣的时候就已经听过，某前辈曾经很严肃的跟我说这是20世纪最棒的乐队，也许对那家伙来说确实是这样，就如同他认为烤馒头是世界上最伟大的食物一般毋庸置疑。

当时他十万分隆重的把current93推荐给我，可是，奈何明月照沟渠，我听了一会实在没法忍受那种半说话半唱歌的怪异唱法，又听说这个乐队很变态的出了近百张专辑/Ep/single，顿时觉得眼前发黑........便把这乐队放在一边。

再后来，某个变态竟然在我常逛的音乐论坛里提供了他们的全集（估计即使不是全集也差不多了...），本着宁可错杀1K不可放过一个的原则，花了好几天才把这些音乐拖到自己的硬盘上，从此，当我没什么新东西要听的时候，便翻出current93来听听。

current93不知道是精力过剩还是太过天才的缘故，作品的风格非常多变，传统民谣、neo-folk、试验电子、哥特、甚至金属都尝试过，像某前辈那样全都喜欢显然是不可能的，我仅仅喜欢他们作品里那些比较柔软安静的部分，不过尽管如此，也很多了（我的hddmp3里放了50多首选出来的自己比较喜欢的current93）

我喜欢的那部分current93非常适合在半梦半醒的时候听，听那家伙在你耳边低语，告诉你死后的世界会是怎么样，或者听他告诉你在某个地方有着那么安静吃草的漂亮小马，还有那些软软的闪着光的星星，还有关于宗教，关于这个世界实际上就是一首没有尽头的哀歌...

也许有些人会说这样的音乐有何意义呢？听current93你得到了什么？我觉得，current93跟爱伦坡的小说一样，充满着形式上的美感。如果你再追问我，让我说“鄂谢府崩溃记”这样的小说有何实际意义，那我也只好说，那根本什么意义都没有，我只是知道对某些人而言，这些无意义的事情对他们很重要就是了^^  
推荐歌曲：soft black stars （点击下载）

61.Experimental Jungle（试验舞曲）
        用贝斯鼓打乱拍子包装试验，明确的表示试验舞曲不是为舞池而创作的。主要来看，试验舞曲的编写者既不是倾向于avant-garde（Twisted Science, T.Power, Richard Thomas）也不是倾向于独立摇滚（Third Eye Foundation, Designer）。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Aphex Twin

见3楼

62. Experimental Rock（试验摇滚）
       正如名字所示，试验摇滚是在形式上推动了音乐，远离了以前传统流行的敏感性的一种音乐派别。代表性的，试验摇滚是与诗歌般的合唱音乐背道而驰的。因为所有的指向都是释放改革，不再遵循严格的规律，包括像即兴的表演，avant-garde的影响，不固定的使用乐器，简单的歌词（或更本没有歌词），奇怪的合成结构和旋律还有对商业诱惑的潜在拒绝这样区别性的特征。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Der Blutharsch

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       Der Blutharsch 意为“融在血里的雪”或“凝干的血迹”，这是瑞士古老传统里对14至15世纪左右的总是冲锋在最前沿击退敌人的最英勇的士兵称谓，相当于德语中的“志愿兵”。奥地利的DER BLUTHARSCH 乐队由 Albin Julius 独力创办，他是业已解散的 The Moon Lay HiddenBehind A Cloud 乐队的首脑。

令人恍惚地缥缈虚无，然而内中渗透着金属色彩的鼓击乐的凝重力量，交响乐序曲似的前启示录民谣和军乐色彩的后工业进行曲，血腥的音乐史诗，阿里乌斯英雄颂歌，勇敢的胜利者的合唱，老歌《莉莉·玛莲》的芬兰版本《丽莎·佩恩》仿佛记录片背景音乐，“到处是血腥，然而胜利了！”小号声拉开了一场音乐祭典的序幕，低音轰鸣营造着最黑暗的氛围，弦乐，定音鼓，天使的布道，戏剧化的幽闭恐怖症般的郁郁寡欢。彻底的绝望，不可救药。这些就是 DERBLUTHARSCH 的音乐动机。

有人在画面背后叙说着，死神在悄悄地飞翔盘旋，死亡是永恒的捆扰，它隐藏在万事万物的背后，包括你所思想和感受到的一切——冰冷的单音节和单调苍白的语言，慢镜头，回顾往昔的剪接片段。他心目中的看不见的、形象模糊的英雄总是年纪轻轻就已死去，他们在我们的记忆里将永远那么年轻。就是这样，Albin Julius 仿如欧洲编年史的戏剧性版本的记载者，他再现了鲜血四溅的神秘传说，人性历史上的刀光剑影和亘古生息，承受着来自内心深处的几近崩溃的极限……

在 The Moon Lay Hidden Behind A Cloud 乐队解散后，Albin Julius 将全副精力集中在 DER BLUTHARSCH 乐队上，同时他还经营着他的新唱片品牌——为实现他自己的梦想而临时成立的 WKN（Wir Kapitulieren Niemals：“我们永不放弃”）。

在 DER BLUTHARSCH 的作品中到处隐藏着暴力动机，它们仿佛是某种警示：暴力正从四面八方逼近并试图毁灭人们的生活……要在战争中挺住，同时要保持住捱过难关的意志……就好比使用了摄影中的黑白技术来加强细微的差别和对比，DER BLUTHARSCH 的作品给人以深刻的印象。为数不多的“彩色镜头”用于音乐中主人公叙述的背景。这样的构思反映出独特自创的美学观念，它可以蛰伏在每一抹阴影，每一帧画面，每一节声响，时而在少数特别的转折处引爆。就象某种精神病患者的舞蹈，Albin Julius 把舞姿控制在某种节奏中——人性的追求以及人在历史光芒中的天性。“我们祈求真理的光芒能照耀到我们所有人。”

“我想我对二战的兴趣在于它就发生在我们家门口——现在在我居住的地方还能碰到许多二战的幸存者。……我对欧洲历史很着迷——尤其是近代史——从20世纪初到二战结束，尤其是所有文化和社会的变化和体制的瓦解……”"

1998年春，应 Douglas Pearce 之邀，Albin Julius 参与了 DEATH IN JUNE 新专辑《Take Care & Control》的录制，由 Douglas 的 New European Recordings (NER)唱片品牌在澳洲的分部发行，之后他加入 Boyd Rice (NON)两人一起在欧洲西部和东部各国作首次短期巡演。后来他还和 DEATH IN JUNE、FIRE+ICE 乐队在欧洲各国巡回演出（DEATH IN JUNE 在瑞士遭到当地政府的禁演）。

Albin Julius 力图成为“奥地利新音乐圈”里最多产的独立音乐人。在历史的废墟中，他继续试图记载最富戏剧性、最神圣的片段，编写成他笔下那冷酷严峻的英雄史诗，并将他所处的时代一展无遗。
推荐歌曲：Der Blutharsch DB TPS（点击下载）

63.Experimental Techno（数码试验）
       电子舞曲的领域可以为实验带来无限的发展空间，所以数码试验便有了一个类似的风格范围---从European Experimenters Oval, Panasonic敲打错误磁盘警告音和刮花磁盘的声音到Cristian Vogel, Neil Landstrumm和Si Begg失去平衡但是整齐向前的节奏。数码试验还可以包括恐怖的背景音乐，像Twisted Science, Nonplace Urban Field和Atom Heart; 如Alec Empire的数码时代朋克；和坚定地在新吉他下早前的工业，如Scorn, Download或是Techo Animal。任何想演奏电子舞曲的乐手从不会使它表现为试验，更好或更坏的是，它包括了很大的派别。 　

具有该风格的乐队/艺人名单：

Alec Empire

见15楼

有点不忍心看下去了，想必LZ是PO的别人帖子，别再PO了 你分得音乐类型还有代表的乐队风格明显都是错的，都不match啊。。。请不要让别人误入歧、。。。